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La collection de la Fondation Louis Vuitton ne vise pas l’objectivité et l'exhaustivité d'une collection publique. Engagée, elle vise à faire partager les émotions et questionnements provoqués par certaines œuvres dont le pouvoir de « casser les règles » réinvente un rapport au monde. Pour le faire, elle s'organise naturellement autour de lignes sensibles qui dessinent quatre directions : Contemplative, Popiste, Expressionniste, Musique et Son.

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L’exposition éclaire les dernières années de la carrière d’Henri Matisse, entre 1941 et 1954, à travers plus de 230 œuvres, peintures, dessins, gouaches découpées, livres illustrés, textiles et vitraux, issues de la collection du Centre Pompidou et de prêts internationaux majeurs. Elle révèle la dimension pluridisciplinaire de sa pratique pendant cette période tout en réunissant un ensemble exceptionnel de gouaches découpées.

Sur tous les fronts, au milieu des soldats républicains en Espagne en 1937-1938, parmi les troupes américaines débarquant le 6 juin 1944 en Normandie, dans les fusillades de la Libération de Paris et jusqu’en Indochine où il meurt en 1954 dans l’explosion d’une mine, l’appareil photo à la main, Capa a tissé la légende du photographe de guerre. L’exposition raconte le parcours de cet immigré juif hongrois, en s’intéressant à la fabrication de sa légende et de ses images, de la prise de vue à la publication dans la presse.

Témoin engagé, Robert Capa a marqué durablement l’histoire du photojournalisme et a façonné la figure nouvelle du photographe de guerre. Plus de 60 tirages de presse d’époque sont présentés aux côtés de magazines, ouvrages, documents et objets personnels. En présentant l’œuvre de Robert Capa, l’exposition offre un regard historique sur une réalité toujours actuelle : celle du risque à prendre pour rendre compte de la guerre.

Le Grand Palais et le Centre Pompidou consacrent une exposition inédite à Hilma af Klint (1862-1944) et mettent en valeur les multiples sources d'inspiration de son œuvre (ésotérisme, folklore et art populaire, culture scientifique). Le parcours dévoile notamment, pour la première fois en France, le cycle des peintures du Temple (1906-1915), son grand œuvre, dont la célèbre série monumentale des Dix Plus Grands qui témoigne de la puissance visionnaire d'une artiste résolument en avance sur son temps.

Formée à l'Académie royale des Beaux-Arts de Stockholm, Hilma af Klint menait une double vie artistique : conventionnelle, avec des œuvres figuratives traditionnelles, et secrète, avec une production résolument avant-gardiste (l'artiste choisit de ne pas dévoiler son œuvre abstraite à ses contemporains, intégrant dans son testament la volonté de garder ses œuvres scellées 20 ans après sa mort). Bien avant les figures établies de l'abstraction comme Kandinsky ou Malevitch, Hilma af Klint a réalisé, dès 1906, des peintures d'une audace exceptionnelle, alliant géométrie, aplats de couleurs vives et motifs organiques, qui annonçaient les grands courants du XXe siècle.

Figure essentielle de l’avant-garde internationale, Lee Miller (1907-1977) fut tour à tour mannequin, artiste surréaliste, portraitiste, photographe de mode et correspondante de guerre accréditée par l’armée américaine. Elle est aujourd’hui reconnue comme l’une des grandes photographes du XXe siècle. L’exposition réunit près de 250 tirages anciens et modernes, dont plusieurs inédits, et propose un nouveau regard sur son œuvre.

Cette grande rétrospective est organisée à l’initiative de la Tate Britain et en collaboration avec l’Art Institute of Chicago. L’exposition retrace l’ensemble du parcours de la photographe Lee Miller, de ses débuts à New York aux années de guerre en Europe, en passant par son séjour en Égypte et sa vie à Londres. Elle met à jour la richesse d’une œuvre où cohabitent expérimentations formelles, audace visuelle et engagement politique.

Le musée de l’Orangerie organise, en collaboration avec la Fondation Barnes de Philadelphie, une exposition monographique autour du peintre Henri Rousseau (1844-1910), rassemblant des prêts majeurs d’institutions internationales. Cette exposition revient sur la carrière de l'artiste et sa pratique picturale, et entend dépasser les légendes entourant le nom du « Douanier Rousseau » pour étudier en profondeur son parcours artistique. Des sections thématiques permettent d’aborder la matérialité des œuvres et de les replacer dans le contexte du marché de l’art moderne.

Cette exposition, en collaboration avec la Fondation Barnes de Philadelphie, fait écho à l’histoire des deux institutions : Paul Guillaume, dont la collection constitue le cœur du musée de l'Orangerie, a été l’intermédiaire d’Albert Barnes pour l’achat de ses dix-huit peintures de Rousseau. L’exposition et son catalogue reviennent sur cette étroite collaboration entre le marchand parisien et le collectionneur américain, et plus largement sur le réseau de collectionneurs et de marchands dans lequel le peintre s’est inscrit de son vivant. Une cinquantaine d’œuvres sont présentées à cette occasion.

Le musée présente une exposition consacrée au peintre américain Henry Taylor. Conçue avec l’artiste lui-même, elle embrasse l’ensemble de sa trajectoire artistique tout en poursuivant l’exploration de la réception de Pablo Picasso sur la scène américaine. Devenu l’une des figures majeures de la peinture noire américaine avec Kerry James Marshall, Henry Taylor a fait l’objet de nombreuses expositions aux États-Unis et à l’étranger. Il s'agit de la première rétrospective de l’artiste en France.

L’exposition réunit une centaine d’œuvres – peintures, sculptures, installations, objets peints – à travers lesquelles Henry Taylor dépeint la condition humaine dans toute sa variété : qu’il s’agisse d’amis, de proches, de personnages anonymes ou de figures publiques, ses effigies et figures construisent une certaine image de l’Amérique, celle des quartiers noirs. Taylor tisse des récits visuels qui rendent compte non seulement de trajectoires individuelles, mais aussi d’histoires collectives, mêlant expériences personnelles, mémoire partagée et relectures d’œuvres d’art inspirantes.

Actrice américaine internationalement reconnue, Marilyn Monroe (1926-1962) a joué dans plus d'une trentaine de longs métrages réalisés par des cinéastes renommés. Elle a pourtant été largement dénigrée, subissant le sexisme de la machine hollywoodienne, et sa carrière a souvent été racontée au prisme de ses problèmes émotionnels. L'exposition valorisera son travail d'interprète, explorant ses performances et ses rôles cultes, et fera un pas de côté par rapport aux mythes qui entourent la star. Sans chercher à démêler le vrai du faux, elle examinera ce que la multiplicité des récits fictionnels et fantasmés révèle de notre rapport aux icônes et à Hollywood.

Mais qui est vraiment Marilyn Monroe ? Un mythe façonné par Hollywood, les médias de son époque et un public qui la moquait autant qu'il la chérissait ? Au-delà des légendes qui perdurent aujourd'hui, l'exposition mettra en lumière la comédienne, force motrice des films qu'elle interpréta, dépositaire d'un style et d'un savoir-faire, et capable d'inventions et de propositions. Le parcours interrogera comment son talent et sa technique ont cherché à s'épanouir au sein du système hollywoodien des studios, malgré des contraintes économiques et esthétiques.

Deux maîtres de la sculpture occidentale dialoguent à travers les siècles : Michel-Ange et Rodin. Leurs œuvres, qui incarnent la force du corps et la profondeur de l’âme, se rencontrent dans une confrontation inédite où se révèlent continuités comme ruptures. En montrant filiations, emprunts et détournements, l’exposition propose une lecture sensible des mythes des deux artistes et invite à repenser la sculpture comme un laboratoire d’innovations artistiques.

Organisée en cinq sections – Deux artistes mythiques ; Nature et Antiquité : réinventer le modèle ; Non finito ; Corps et âme ; Énergie et vie – l’exposition réunit marbres, bronzes, plâtres, terres cuites, moulages et une très riche production graphique. Le parcours met l’accent sur les enjeux formels et conceptuels qui aboutissent à une même ambition : rendre visible l’énergie intérieure du corps.

La Galerie Dior, qui témoigne de l’audace visionnaire de Christian Dior et de ses six successeurs : Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galliano, Raf Simons et Maria Grazia Chiuri.

Depuis sa création en 1984 par Alain Dominique Perrin, alors Président de la Maison Cartier, elle expose des créateurs de tous horizons, en décloisonnant les pratiques et les champs de la pensée. Constituée au fil d’une programmation à dimension internationale, sa collection est le reflet de sa pluridisciplinarité et de l’étendue des thématiques abordées, en prise directe avec les problématiques contemporaines.

La Fondation Cartier déploie ses activités et ses engagements avec la volonté et l’ambition de rendre accessible la création contemporaine au plus grand nombre. À travers des projets d’expositions et une programmation de rencontres et débats, performances, conférences, elle crée des passerelles entre les lieux de création et nourrit un véritable espace de dialogue multiculturel.

En fonction des saisons et des événements, des tarifs promotionnels vous sont proposés. Vous pourrez également sélectionner des offres gourmandes, romantiques, familiales, festives, des offres longs séjours..